文/wind_walk 　　太多人谈论这个片子，差不多谈的题材要烂掉了。 　　除了基本上的认可，我对这个片子还有一些不同的看法。 　　陈凯歌在救赎？还是我们在救赎？ 　　《无极》拍烂了，这次是陈凯歌的救赎吗？ 　　《无极》骂得太狠了，空前绝后的狠，这次是否我们中的一些人物也有或多或少的救赎心理在作祟暗示我们再给老陈一个机会？ 　　这个很值得玩味，中国电影需要一个救赎，同样，中国观众也需要一个自我救赎，从起哄和板砖乱飞中反省。我觉得，今年这股风气暗流趋势很强，某种程度上忽悠了观众的主观评价。（可能是从《黄金甲》开始，也许你回头再看看它，问问自己，它到底比十面埋伏强多少呢？） 　　梅兰芳的传记？孟晓冬的传记？ 　　如果把这个片子作为一个传记片来看，那么它应该很失败。因为看过整个片子，梅兰芳并没有给观众留下尤其特出的人物印象。 　　更像一个类似《撞车》的群戏，虽然它叫《梅兰芳》。 　　在表演时间上看，章子怡并不如传说中的占了多大的分量。她可能还会想拍一个孟晓冬的片子，但这个明显不是。 　　但梅孟共存的桥段，孟晓冬要比梅兰芳更出彩。并非只有章子怡如此，实际上，除了前半段少年梅兰芳还算能够压住整个影片的场子，大部分时间配角都比主角更吸引人。 　　这个片子不是群星拱月，而是群星拱星，再怎么拱，也没拱起来。 　　陈凯歌的电影？黎明后的黑暗？ 　　无可否认，这片很艺术，很陈凯歌。但是，黎明出场后改写了一切。 　　我们可以感觉的明显到不能再明显，近乎所有的梅兰芳的精彩舞台艺术都集中在前期少年梅兰芳的身上。之后黎明版本的三分之二影片中梅兰芳只演电影，基本不唱戏了。当然导演可能有别的设定，但自从黎明上场之后一直捱到美国一场表演，实在是难于让人感到信服。 　　和张国荣媲美？和余少群比较？ 　　张国荣如果能够在世，那么这个《梅兰芳》既有可能追及甚至超越《霸王别姬》的水准。 　　所幸还有余少群。他扮演的少年梅兰芳论表演可以和哥哥相提并论，甚至我都觉得余少群的戏台做功要比张国荣更上一层，如果还有一点点不足，那恐怕就是梅葆玖先生那上了年纪的唱腔和这个花样少年实在有点不搭调。 　　你可以不和永逝不归的张国荣比较，但把一个余少群放在你前面这20来分钟，黎明，你何颜以对呢？ 无论张国荣还是余少群，都能做到两点：扮演台上的梅兰芳，扮演台下的梅兰芳。而黎明在台上台下都做得欠奉，台上的时间是在太少，而台下根本不是梅兰芳，仅是一个黎明而已。 　　无论当年霸王别姬的张国荣，还是今天的余少群，都证明，无论台上台下，无论扮女人还是做男人，梅兰芳都透着一股女性阴柔秀气，这体现在一举手一投足之间，虽然无法言传，但人人都能意会。 　　黎明到底在演谁？他的价值到底何在？ 　　他那宽阔的肩膀，富态的脸庞，丰满的腰身…这些我都可以视而不见，但他那铿锵的步伐，稳健的举止实在让人无法联想到一代旦角大师梅兰芳先生的风姿…… 　　我一直在想，从十七八岁到二十三四岁，真的需要换演员吗？难道是陈导的演员过剩？恐怕又是什么商业目的了。当执着艺术的陈导放弃操守的时候，上一次产生了整个无极，这一次产生了黎明版的梅兰芳。 　　我不敢想象，如果余少群一路演下来会是什么结果，很可能产生一个新的巨星，但我敢肯定，余少群是不会重蹈张国荣或者莱杰的悲剧，这种感觉很难说明为什么，但可能这就是感觉到余少群与张国荣的一丝区别。 　　不疯魔不成活？到底谁成活了？ 　　邱如白。可能你不认同他的成功，但他的表演真的有点疯魔的味道，他的人物性格比较复杂，不像六爷那么简单的从始至终都是商人角色。刚开始就觉得邱如白有点不入戏，文绉绉的有点楞，可一路演下去，就发觉这人就是文绉绉的神经质，直到被揭穿原来是他雇了杀手才把他的神经质大白天下。 　　整个片子他比梅兰芳更显眼。如果换个角度，他简直要成了主角。——尽管梅兰芳身上才真正背负了各个宏大主题。 　　终于放开的章子怡这次也显得颇为生动个性，比起五大三粗刻意孤独的黎明先生也要耀眼几个星级。 　　陈红找到了适合她的角色，演出也就顺丰顺水。 　　——再一次叹息我们的黎天王…… 　　这的确算是一部可以的片子，但是如果你是来看《梅兰芳》而不是来看陈凯歌的，那么你就很有可能会失望，不过纵然不够欣喜，至少有余少群的少年梅兰芳足够精彩，也有整个影片的通畅故事以及深刻的主题供观众玩味，值你的票价，也值你付出的两个小时，如果你之前根本搞不清梅兰芳是哪位人物，那么你一定应该进来看看这个片子，就当是历史文化补习也是极为有价值的。 　　我为什么不认为这个《梅兰芳》表现的够精彩？我的参照是《色戒》，你可能不接受色戒的内容或表达形式，但梁朝伟的表现无疑是在黎明此次表现之上的。黎明毁了陈凯歌，毁了一个本应成为再度经典的《梅兰芳》。 　　色戒，我觉得值85分，那么梅兰芳也是85分或多一点，毕竟梅兰芳大师的艺术还是相当的伟大的，自然也为影片增色不少，这其中自然不能忽视陈导等制作人员的一片心血。但如果比起迪卡普里奥的传记《飞行家》，梅兰芳就欠火候了，《飞行家》我觉得值95往上。

文/天天刷牙 　　最重要的角色一般最后出场，2008年快要过去，年底终于迎来了今年最好看的国产电影。《非诚勿扰》这部电影对于剧组，投资方和观众来说应该是皆大欢喜的结局，观众爱看，投资人赚钱，冯小刚继续维持他的冯氏喜剧的金字招牌。 　　这部电影比起冯小刚以前的喜剧来说最大的变化就是更加洋气，港台女明星加盟，电影中的场景基本上都是高档的餐饮娱乐场所，不是高楼就是别墅，甚至有豪华大油轮，就算农村也是北海道的农村，没有以往的胡同和四合院，角色也是海归，空姐，富商，投资人等等，真是往来无白丁，这算当下中国中产阶级的诉求，这是逐渐成为主流人群所追求的生活质量，不知道这不电影会不会掀起一股北海道的旅游热。就这一点来说，如果不承认冯是中国最优秀的商业片导演，也应该承认他是最能把握大陆观众口味的导演。 　　其实这种以对白为主，调侃现实生活的喜剧套路对于冯来说是轻车熟路，电影前半段葛优跟形形色色的人征婚正是反映了当下中国的人生百态，同性恋的，卖墓地的，性冷淡的，未婚先孕的，炒股的，这些都是说明我民越来越向腐朽的资本主义生活靠拢啊，加油吧！ 　　冯小刚的这种电影除了葛优以外，恐怕没有第二个人更适合来演，因为葛优这种耍嘴皮子的形象已经根深蒂固，就算再贫观众也觉得是理所当然，他演的就是自己，要是其他人就会显得太做作和突兀，所以反而让葛优几场欲哭无泪的戏就显得刻意，冯可能想让葛优的角色有侠骨柔情的感觉，让舒淇这样一个为爱而生的女人有充分爱上他的理由，说实话，我觉得说服力不够。 　　王晶曾说冯小刚的电影不叫喜剧，喜剧应该是以表演和剧情为依托，依赖于语言的幽默不能算喜剧，我基本上同意这种说法。但是中国文化传承下来的就是玩文字游戏的功力，表演没有任何的地位。冯小刚在《夜宴》中尝试了表演，但是并不成功，大陆观众需要的是直接的刺激，我民还不够优雅。中国文化就是一个大染缸，就算是电影这种起源于西方，以表演为主的艺术，到中国也会变成包装精致的加长版小品。 　　总的来说这是一部难得的！好看的！国产电影，最重要的原因是它娱乐到我了。

　　《海角七号》是部好电影。 　　它足够自我，导演魏德圣在巨大的经济压力下，仍然没有迎合商业市场，难得的拍出了一部他计划中构想中的片子，正是这份坚持，才赋予了《海角七号》独特的清新、自然，独树一帜，获得了意想不到的空前的成功。 　　这部影片的自我，体现在美妙新鲜的音乐上，体现在或幽默或发泄的台词上，体现在导演讲述故事的结构手法上，体验在情节发展的各个细节中，更加的体现在每个个性鲜明的角色上。 　　范逸臣饰演阿嘉——自我关键词：颓废 　　阿嘉外表冷酷，不近人情，内心却柔软，并心怀梦想。影片以他在台北街头怒砸吉他开场，一直都是一副生人勿近的冷漠模样，神情姿态拒人于千里之外。心气儿不顺和交警在街上打架，随性私拆信件，，，这一切都是为了掩饰自己事业失败的绝望和痛苦，实际上是一种颓废的自暴自弃的表现。最后，他还是重新振作了起来，通过努力，再次闪亮的站在了舞台上，并且收获了宝贵的爱情。 　　田中千绘饰演友子——自我关键词：委屈 　　友子是个努力的姑娘，却也怀揣着诸多委屈。她本来是模特，梦想着大好的前程，却要做着辛苦的跑前跑后的公关工作，接手到了阿嘉乐团沙滩演出这样难办的CASE，重压之下，莫大的说不出的委屈，让她性格的自我部分得以最大程度的展现，说话都是用吵的，不顺心就准备收拾行李离开，借着酒意还把阿嘉家的玻璃门给砸坏，，，友子表面柔弱，却性格坚韧，正是她的敢说敢做，才和同样具个性的阿嘉互相吸引，最终走到了一起。 　　林宗仁饰演茂伯——自我关键词：执拗 　　茂伯是整部影片中年纪最大，也是最可爱的人物。他坚信他和他的月琴是台湾的国宝，是必须要站在舞台上表演的。为了争取这个机会，不惜使用一些小小的“手段”和“伎俩”：他可以不告阿嘉私藏信件，但要以此交换自己进乐团的机会；他紧张别人知道马拉桑会弹贝斯，又是说谎又是耍赖又是半威胁的，直到万不得已的情况下才依依不舍的把机会让给马拉桑，临了还不死心的抱怨着问一个可爱的问题，“难道就不能有两个弹贝斯的吗？”末了拿着摇铃也要死挤在乐团里，不管画面有多么的滑稽不协调；正式的表演结束，他终是弹着月琴端坐在舞台上，自信的自顾自地继续演奏着，，，他的可爱，他的执拗，让观众笑过之余，又收获了多一份的满满的感动。 　　麦子饰演大大——自我关键词：骄傲 　　大大可以说是影片中最典型的自我的角色。这大概跟她有一个酷酷的敢躲在客人房间里抽烟的母亲有关系。大大在唱诗班的伴奏是忽快忽慢，还要出点小事故，差点没把老人的心脏病给吓出来；戴着耳机旁若无人的唱歌，获得了代表那句让观众记忆深刻的“谁说咱们恒春没人才”的评语；敢和阿嘉呛，那架势那眼神，完全不输，，，这个小姑娘，家庭环境造就了她的自我，少有的音乐才华造就了她的自我，小孩的身躯，成人的灵魂，她有她自己的一方世界。 　　马如龙饰演代表——自我关键词：坚持 　　代表就像导演，他对于恒春那片土地的热爱，和导演对于艺术的追求，是同样的坚持。这个边缘政治人物的一言一行一举一动让观众是耳目一新，尤其是见惯了沉稳庄重政治味道的内地观众。代表就像是条变色龙，可以温情，也可以粗暴，十八般武艺，只要能解决问题，方式方法百无禁忌。他可以通知镇长“这个章你要是盖下去，我们整个代表会是不会放过你的”；他基本上是用半威胁半恐吓的手段，才跟酒店经理争取到了用本地乐团暖场的机会；他生气了，抡着鼓棒抵着水蛙的脖子，“我最大的兴趣，就是吵架、打架、杀人、放火，我最大的心愿，是把整个恒春烧掉，把所有年轻人叫回家乡重新再造”，他年纪60，仍然满腔热血，热心，激情，忧心社会，当问题不能凭好言好语解决，火气武力就上场了，大有“非暴力不合作”之派头。 　　民雄饰演劳马——自我关键词：失意 　　电影一开场，情场失意的劳马和事业失意的阿嘉，一顿马路纠纷，非常具有爆发力，迅速的抓住了观众的心。同阿嘉一样，劳马是用表面的火爆脾气，掩饰家庭破裂爱妻出走的伤痛和虚弱。这是一个骨子里头善良、温情的角色，他的自我特质经过了稍稍的妥协，不再从事危险的行动小组工作，盼着妻子归来。 　　马念先饰演马拉桑——自我关键词：勤奋 　　马拉桑在工作时的热情和勤奋，打动了酒店前台姑娘的心，也感动了代表，并得到代表的帮助。马拉桑一天要去好几个不同的场子推销酒，为了宣传酒任何办法和机会都不愿意错过，这种小人物奋斗的劲头，坚持梦想，勇追目标，不怕失败，不怕被拒绝和冷遇，引起了观众生活情感的共鸣，深受感染。 　　应蔚民饰演水蛙——自我关键词：顽固 　　这是一个对于男女之情极其盲目的顽固份子，他知道老板娘有家有丈夫有三个小孩，依旧狂热的暗恋着她。不理会别人的劝告，不理会社会的伦理道德观，对情爱有着自己的理解，用青蛙交配的例子，“人干嘛要去计较一男一女，还是两男一女的事？”借大大妈妈的话，他还真够厉害。 　　魏德圣有一点做到的非常之好，挑选演员很成功。电影中的角色和演员本身的身份经历，吻合度极高。范逸臣曾凭一首翻唱的《I BELIEVE》窜红，又迅速的因为被抖负面新闻导致个人形象受损，几乎湮没于娱乐圈，所以他在表现阿嘉事业失意的那份落寞和颓废时，才能如此传神，在影片开头一幕的愤怒砸吉他，才能那么的真实。田中千绘本来也就是一个日本在台湾发展的艺人，自然对友子的那份背井离乡辛苦工作的委屈感同身受，酒醉后躺在阿嘉怀里的喃喃自语，分明道的就是自己的心声。而扮演劳马的民雄，是台湾本土的一个很受欢迎的实力派歌手，没看到电影最后，沙滩上观众的欢呼声，分明就是冲着他的。 　　角色和演员合二为一，每个角色又有着不同的鲜明的个性，使得影片生动而真实，独特而清新，最终也成就了《海角七号》的脱颖而出，大获好评。观影如潮，票房飘红，自然就是情理之中的事了。

文/张小北 　　所谓“四十不惑，五十而知天命”，《非诚勿扰》这部电影，可以说是今年50岁的冯小刚导演对自己人生的一次回顾和梳理。 　　 　　虽然《非诚勿扰》还是一部所谓的“冯小刚贺岁喜剧”，那些“冯小刚喜剧电影”中的标志性元素该有的还都有，但这些已经不再是这部电影的重点。愤怒不但能出诗人，还能出喜剧导演。作为一个功成名就的电影导演，冯小刚早年电影中对现实的愤怒和批判，已经转化为《非诚勿扰》中对自己和这一代人温和的调侃。 　　作为冯小刚电影生涯中的一个高峰，《集结号》在票房和口碑方面的双重胜利，对于冯小刚导演来说意义非常。冯小刚曾在他的《我把青春献给你》一书中愤愤不平地提到，因为一系列诸如《月亮背面》、《一地鸡毛》等现实主义题材的电视剧连遭枪毙或阉割的命运之后，他就转而投向以嬉笑怒骂来娱乐大众的喜剧贺岁片路线。而在连续的票房成功之后，作为获得话语权的成功导演，冯小刚不但在电影技法上锤炼的成熟起来，在心态以及眼界方面，也开始逐步向着“成功人士”的方向靠拢，再也不是《甲方乙方》、《没完没了》、《不见不散》这样的电影中城市“流氓”的代言人了。（必须要说明一下的是，这里的“流氓”是一种对城市人群中身份丧失者的界定，而非传统意义上的道德或司法判定。） 　　 　　但一个以成功者身份出现的冯小刚，还是会尴尬地发现，财富上的成功并不能抵消主流社会的刻意漠视。直到当他凭借《集结号》获得了主流社会的最终认可后，当他回过头来再重新面对自己赖以成名的贺岁喜剧时，一种尴尬局面出面了——他已经不够愤怒了，以至于不能再象当年那样嬉笑怒骂了。 　　 　　于是《非诚勿扰》温和地开了很多玩笑，但基本上都发生在一些密闭空间内，和外面的世界不再发生联系。当葛优和舒淇所扮演的角色需要一个更大的环境袒露心扉时，导演就让他们去了北海道。这样做的好处除了可能的广告赞助外，还可以提供一个非现实的，巧妙但刻意消除了所有真实生活痕迹的背景环境。 　　 　　《非诚勿扰》表面是一部喜剧片，但骨子里却是一部剧情伦理片。一个中年男子，和一个年轻女子，以征婚的形式相识后，发现彼此过去的秘密，最后演变成“两颗绝望的心”共同逃亡北海道。在这趟同床异梦的旅途中，中年男子想要寻求未来的承诺，而年轻女子却想挣脱过去的束缚。 　　 　　这个故事虽然松散，却有意或无意地映射了当下城市群体中普遍存在的道德和生存焦虑——在传统道德约束极度缺失的当下，如何在现实和理想间寻找平衡之道？ 　　 　　当然，冯小刚的电影一向是不给答案的，他只负责提供温暖。如果有人笨到要进电影院来寻找自己生活中那些困惑的答案，我们就只好装作看不见了。 　　 　　葛优扮演的中年焦虑男秦奋，在北海道半真半假地进了教堂做忏悔。秦奋自己唠叨的那点事儿，其实牧师和观众都听不懂，但他自己却能乐在其中。对于冯小刚导演来说，《非诚勿扰》就是这样一部电影，如果能挠到观众的脚心固然好，但如果挠不到那也无所谓。重要的是，冯小刚导演用《非诚勿扰》对自己的中年情怀做了一次略带伤感的梳理。 　　 　　我们虽然还能在电影中听到那些期待的幽默对白，但对于观众来说，那种欢笑背后开始带上一丝淡淡的忧郁。可能是为了淡化这种弥漫全片的淡淡忧郁，本片的开头和结尾，都很突兀地加入了范伟的戏份。尤其是影片结尾的展望股市飘红桥段，不但显得多余，而且显得廉价。