文/灰狼aubrey 　　《澳洲乱世情》这部电影其实是很悲哀的，在出生之前就背上了“巨片”之名，这意味着他必须要给塞红包的来宾们一个满意的交代，无论在票房上还是口碑上，都容不得有丝毫的含糊。待到九个月的怀胎痛楚之后，作为父亲的巴兹·鲁尔曼亲手剪断了孩子的脐带，才发现这个孩子竟拥有和自己不一样的棕黑色皮肤。 　　如果说黑人白人结合诞生的孩子成为了不黑不白的混血儿，那么好莱坞与澳洲嫁接诞生的电影就是一部不伦不类的史诗片。史诗片是需要一种植根性的，民俗风情、历史关怀、人文思考一样也少不得，它必须深植与这片赖以生存的土地去讲述一个与自身混为一体的道理，才能做到最深入人心的表现，否则就会流于表面。澳大利亚是一个骑在羊背上的国家，移民占了多数让其失去了那种植根的可能，换句话说他们的历史是漂浮的，空旷的，散落式的，所以当巴兹·鲁尔曼的电影面世之时，我们发现这部电影和澳洲的大地一样广阔，却也一样空荡。 　　我们不需要比较很远的电影，单是去年台湾电影《海角七号》表达出的那种台海特色就是很让人动容的，从片子备受岛内观众青睐就可以看到它与当下台湾的合拍程度；而这一部《澳洲乱世情》又有多大程度的本土之光呢？是牛羊、黄土、牛仔，还是庄园？这些景象在世界各地都屡见不鲜，《大地雄心》有过，《走出非洲》有过，《与狼共舞》也有过，你仍然可以拿这些滥觞的景象作为你澳洲的不二标签吗？ 　　想来妮可·基德曼踏上澳洲大陆的那一刻没有一种由衷的激动，1992年她还不是汤姆嫂的时候便有过一次渡海争田的艰难之旅，那一次充满了颠簸流离和情感纠葛的遭遇可以涤荡人心，17年后再次重演居然是平淡无奇。也许是心境的变化造就了她的麻木感，剧本的单薄也促成了她的表面化，如果说《红磨坊》那般俗套的故事尚可以打造一个冷艳绝世的伤心女，那么《澳大利亚》展示给我们的就仅仅是一个靠美丽吸引眼球的花瓶。与之配戏的是同样属于观赏性动物的休·杰克曼，《x战警》这样的系列样板片成就了他，却也害苦了他，活脱脱令一个可以有魂的演员堕落为银幕硬汉。 　　《澳洲乱世情》是无法直面自身历史的，所以代之以爱情，都说爱情最俗套，它还依旧是史诗片里最重要最核心的元素。战争和动乱总是被推过来当作爱情发生的背景，让人物在山雨欲来的摇曳之风中显出他们的困顿、希望、孱弱以及坚强，在这些史诗片里，战火可以烧的尽一切，唯一烧不掉的就是爱情。《澳洲乱世情》有着风华绝代的怨妇、洒脱不羁的牛郎，却没有给出一个情感发展的一波三折，莎拉和牛郎的爱情更像是一种“圈养”的行为，关系的错位在这个芜杂紊乱的时代里竟然蔓延出一种滑稽的质感，片中的牛郎没有《大地雄心》中汤姆哥那种小人物拼搏大事业的勇气，只是满足于一个歇脚的地方和一个女人的怀抱，渴望得到一匹性格暴烈的良马而已；拥有野心的则是莎拉，她渴望土地、牛群、男人，为套住牛郎连番采用利诱、色诱以及孩子的情感攻势，可怜旁人说一句“丈夫还尸骨未寒”，这个女人却忍不住自我放浪。 　　所以当导演拿一场从天而降的大雨给她们打开情感之门时，那个在戏院门口肆无忌惮的拥吻在我们看来是那么的虚假不堪，当两个人在床上云翻雨覆之后，莎拉伸手抚摸着牛郎那性感浓密的胸毛，我们才发现这原本就是一场被动又疲累的爱情。那个混血孩子纳拉成为了两个人荒谬关系的挡箭牌，“做坏事”的概念被当成了遮羞布在两个人之间拉拉扯扯，最终又扯到孩子身上。说起来导演试图用孩子去平衡这种人物关系，是因为这个男女关系具有很不牢靠的一面，女主人与男牛郎的地位、身份天壤之别，他们的爱恨或许只能统一到那个可怜的孩子身上，为此不惜残酷的把孩子的亲妈做掉，亲爸炒掉，成就了这样一个异样的“拼合家庭”。当然两人的情感冲突也要以孩子做引线，孩子要怎么走，像爸爸还是像妈妈，成了制造两人分合的借口，实在又太羸弱。 　　如果两个人的感情是这场史诗的主线，那么关于种族问题的思考就是电影的副线，巴兹·鲁尔曼妄图抓住“被偷走的一代”大做文章却没想到他们本人（包括妮可·基德曼，休·杰克曼）就是被好莱坞偷走的一代，摄影棚里的多年机遇让他们的思想更加美国化，以致早已背离了作为一个澳洲人的思考模式。所以巴兹·鲁尔曼拍摄《澳洲乱世情》仿佛一场重新殖民的过程，他让混血儿纳拉拒绝当局的教育，却让他在《飞越彩虹》的歌曲里接受膜拜和熏陶，本身就是一个温婉奴化的现象。马克思主义哲学课本上有讲过：文化具有阶级性，所以我们的电影不能分级，你也甭拿“音乐无国界”来说事。 　　纳拉的父亲是白人，母亲是黑人，所以他自己都称自己一半一半，这个特征没有带给他两个圈子里的通行证，反而让他在夹缝里求发展。至于他亲近庄园的女主人，学资本主义的音乐，自愿抹个黑脸去看《绿野仙踪》，本身就是一个追求自我奴化的过程。导演没有过多的笔墨去写纳拉追求自己的文字、音乐、信仰、生活习惯，而只是用一个潦草的魔法概念来代替，显然是欠缺对土著人文化的一种考究和求证，重心依旧着眼在刻画小孩子对白人文化的一种“媚态”，那些整天吆喝《海角七号》媚日的人们听好了，如果想对这个电影唱赞歌，先拖出去斩了。 　　导演为了把这种媚态隐藏起来也没少花心思，不吝加重笔墨延长篇幅来把影片打造成一个醒世童话，纳拉具有和童话故事里一样的悲惨的家庭、不凡的际遇以及让他脱离险境的魔法，追求奴化的过程却用“梦想”和“童话”来掩盖，为此不惜搬出《绿野仙踪》和秀兰·邓波儿，镜头从银幕之后摇过对准了呆在横杆上的小黑脸，再切到另一边舞会上的风花雪月，对比之间让这个属于孩子的纯洁梦幻的世界成了最好的挡板。 　　我们可以说，导演巴兹·鲁尔曼的心里没有澳大利亚，他一手抓起爱情，一手拎起童话在这个风景秀丽的外景地做了一场属于自己的痴心梦想。他把史诗的华丽气质凌驾在这个虚无缥缈的梦想之上，用一场刀与火的硝烟去检验这个百年之间颠扑不破的命题，自然是俗套的，却又是华丽的，只是这种华丽太晃眼，它的绚烂、它的印染，它的不均匀超过了我的眼睛所能承受之重。 　　除了史诗包裹的两个命题，我们还能看到什么呢？《大地雄心》的故事，《走出非洲》的情调，《与狼共舞》的命题，《乱世佳人》的气势，还是想都沾一点？我想这就是电影的弊病，太追求雍容华贵的表象而忽略了原本最宝贵的真诚的心。

文/jiuxianri669 　　在落笔写这篇文章时，心中一直在犹豫该不该用电影的引进片名。且不说这样的“意译”恰当与否，如果之前对本片不甚了解，单纯看到电影原名“Australia”这个本就代表国家意义的单词，基本上不会对剧情有大概的先知，顶多能探究到这是一部有关“澳大利亚”本土文化的电影。“乱世情”，几乎明确了主题，这种强性定义的概括，已经多多少少剥夺了观影者自发理解的权利，难免会有被牵着鼻子走进去的嫌疑。 　　老外的思维模式相比于中国人的传统和保守就是来的更加简单和直接，据说本片在澳洲就是被官方定义为对外宣传的风景旅游片。咱不管电影的骨干思路是否围着这个主题展开，也不去讨论具有中国国情的文化市场能否接受直接用“国家”去命名一部作品，单看这份我们具备不了的“胆大妄为”，如果移植到国内以商业目的和票房收入为主导思想的引片方，也会让他们百抓挠腮。谁也不敢肯定用来宣传自己的东西能对外人带来多大的影响，从这方面考虑，无论是对片名单方面的适应性篡改还是绞尽脑汁想用更贴切内涵的外包装来吸引目光，也都是可以理解的，大概与狭隘无关吧。 　　可有一点是无法回避的，按照中国人的概念，题目很重要，那本身就代表着内容的精髓，改名就该算是一种理解，本土化的解释能否就真正切合导演的本意呢？如果是恰如其分，那应该从某种程度上剥夺了观众主动寻求答案的乐趣，如果不然，那当然就是对观众不负责任的极大误导了。按照咱中国人的思维模式，如果用直译的“澳大利亚”，那就等同于潜意识里接受了一部叫“中国”的电影，难道仅仅因为自知我们无法拍出一部博大精深的可以昂首用“中国”命名的电影，也就形而上的认为《澳洲乱世情》肯定背不起“澳大利亚”这个沉甸甸的名称，这是对别人的不信任还是对自己的不自信呢？ 　　上映之后，国内的影评人对电影进行了多方面的抨击，说不清楚是否是在吹毛求疵，有个很奇怪的思路，总有很多人不自然的拿来跟《乱世佳人》比较。回想一下，很难说清究竟是电影本身就跟《乱世佳人》有那么点相似，还是宣传方一厢情愿的诱导观众必须套用《乱世佳人》的“经典”思维去感触本片，或许这也多少强加给了电影一个不太公平的外衣。鉴于此因，我在看电影之前，合理把期待值降到了最低点，抱着这种平和的心态，在近乎三个小时的观影过程中并未感到枯燥，却也实实在在感受到了电影的精致和优美，这份由衷的称赞和欣赏也是自己始料未及的。 　　实话说，电影的确具备了《乱世佳人》的一些范儿，爱情、战乱、佳人，关于各个人物追求和情感上的成长，宏大的壮观场面、饱眼福煽情效果极佳的自然风光，甚至跟去年大获好评的《救赎》都有异曲同工之处。电影中包含的各个元素很明显的在向奥斯卡示好，可为什么这么一部故事感人，情节曲折，视效出色且具备了人文理念的优秀电影却得不到好评呢。电影时间太长，线索太多，导演胃口太大无法把各个理念做完全也达不到极致，其实这些诟病恰恰是导演太过强大的野心和足够诚意的信念造成的，回到电影“国家化”的片名上，导演对自己的国家和那个时代有太多难以言表的感受和异常强烈的“丰满”愿望，太想在一部电影的时间里竭尽所能的包含整个“澳大利亚”，与其说是电影太琐碎冗长，不如说是时间根本不够，不足以撑起整个澳洲。 　　全世界的导演都会拍爱情，但本片导演鲁赫曼是少有的几个能真正尊重和感怀爱情并直接且虔诚的只描述爱情本身的，从“红幕三部曲”可以真切体会到导演对爱情层层阐述的深厚功力。到了《澳洲乱世情》，这种单纯的爱情空间发生了改变，“佳人”不再是养尊处优的都市柔弱小妇人，成了敢于承担责任面对挑战，渴望亲情执着爱情并心存大爱的女性。最重要的是，这是关乎“澳大利亚”的电影，于是，爱情线成了副线，电影的主线索其实是对澳洲历史那段对“被偷去的一代”加以残害的丑陋往事的揭露，这就是独属于澳洲的土著文化。电影的开始用孩子的眼光和旁白拉开序幕，其实已经阐明了本片的第一主人公就是那个土著小孩“纳拉”，孩子的心本来就是稚嫩和不成熟的，用他的视角带动剧情发展，也昭示着导演创作本片的探索性心态。至于爱情、至于乱世，那不是电影的核心，那不能代表“澳大利亚”，导演把自己的感受转嫁到了片中土著小孩身上，用他的眼睛领着世界去看一看自己心中那个时代的“澳大利亚”。因为土著，所以“Autralia”！ 　　我突然想到那些对电影的批评是不是有点过于苛刻了，以至于苛刻到对外来的文化抱有先天的排斥，而原因恰恰是因为不了解或是压根就没兴趣去了解。单纯从电影的质量上看，到处是风景随出有色彩的这方沃土自然会孕育出对视效有非凡感受的摄影眼光，所以电影的画面是对得起“美”的，而鲁赫曼电影中向来也不缺优美的音乐，本片的音效同样值得赞誉，最值得肯定的是男女主人公的精彩演绎，久违了的倔强、真实、活泼、质感的妮可，最性感男人“金刚狼”在片中多次流下的让全世界女性都心碎的眼泪。现在看来，就算电影达不到经典的高度，也至少是优秀的精良之作，绝不可能是毫无水准粗制滥造的“烂片”。单导演这份敢于挑战敢于突破的勇气就已经值得敬佩了，就算外人接受不了，相信电影已经用自己的片名感动了“澳大利亚”本土的观众。

文/韩兮 　　对于一部伪《乱世佳人》的影视作品，笔者在端坐了一百六十五分钟以后首先想的是这么一部没有激情的影片到底在讲述了什么？ 　　当一个混血小孩的画外音响起的时候，影片的画面充满了些许的魔幻色彩，使得笔者还算提起了兴趣，但随即而来便是过时的西方式的滑稽，在容忍之下，影片终于出现了矛盾的所在，一场奔牛的拍摄比《无极》显然是真实而有质感，农场继续经营之后，二战的销烟中竟然万事大吉，于是，笔者如同导演一样完成了对这个故事的认知。 　　其实，笔者相当感兴趣的是片中的讲述者这个角色，为什么会用到一个混血小孩，他的视角到底意味着什么？ 　　故事发生的年代是处于澳洲被白人（即英国殖民统治）的年代，土著人成为历史，黑人是受歧视的，而混血则是需要被同化的种族。在这种情况下，一个混血的孩子成为了影片的讲述者，他眼中的土著充满了神秘，而白人则处于善与恶的交锋中。于是，整个澳洲其实是充满了变数的。 　　影片矛盾的起始是由于萨拉夫人的到来，这个坚强的又带有明显贵族气息的女人身穿着紧身衣出现在澳洲，这是一片荒漠，至少在当时来说是这样的，只有已经深受英国文化熏陶的达尔文港才有些许的人气，但也是充满了种族矛盾，黑人被严重地敌视着。 　　随之而来的便是一桩生意地争夺以及一段爱情的培养，这也是影片中最令人陶醉的前半部，虽然波澜壮阔甚至有些华丽的澳洲风景与气势磅薄的奔牛场面映入观众的眼光，令人有种惊叹之感，但所有这些人物之外的景深并没有与剧中人物达到真正的统一，于是，看奇瑰之景，看卑劣手段以及看情感升华便各自为营了。其中最具有戏剧性的一幕无疑是混血小孩在悬崖边上止住奔牛的场景，这可以说是整部影片中内部矛盾的最大体显，关于善恶，关于生死，关于澳洲的神秘力量。 　　在这场戏中，混血小孩的力量得到了充分的体显，不但战胜了卑鄙的阴谋，也战胜了奔牛这种准自然的灾难，成为一个男子汉。但十分可惜的是，影片中这样的交锋的确太少了，剩下的便是拖沓与琐碎，便开始了不痛不痒的所谓爱情。 　　当爱情阻止了夫人的回归，影片开始进入爱的责任阶段，这时候我们会发现，混血少年的戏份明显减弱，已经成为男子汉的他开始渴望成为一个成熟的男人，于是他被抓住了，那么，这个成为成熟男人的重任便落在了牛佬的身上。 　　影片的讲述者是混血少年，主角无疑是牛佬本人，他一直在逃避，无奈并且有条件地接受了夫人的赶牛任务，一时兴起地直面第二段爱情，但他的血液依旧是在逃避，逃避对夫人的爱，逃避自己对黑人的感情，更在逃避对混血小孩的责任。 　　爱情的天平一般来说都不会平衡的，于是，牛佬离开了夫人，而夫人继续着自己的爱，对人的爱以及对这片土地的爱。这时候，外力开始作用了，日本人的飞机适时地来了，在战争中，牛佬完成了自己作为一个成年男人的成熟举动。救下了混血小孩，也挽救了与夫人的爱情，同时一个小插曲是酒馆中他开始把自己对黑人的同情付诸于现实。不再逃避，这便是牛佬的成长过程。 　　整部影片到这里，观众不禁发现一个问题，那就是谁在成长？ 　　在影片的前半部，混血少年的成长是极具魔幻色彩的，从一个捕鱼的小孩变成了一个赶牛的少年，甚至是独自面对势如奔牛场面，这个少年的成长是显而易见的。但接下来的故事，成长的主角便变成了牛佬，以爱情为外壳，作为一个男人的成长过程，那便是责任的成长。 　　其实作为电影，这样的成长结构并无不妥之处，但混血少年与牛佬的象征意义却令影片在前后部分产生了巨大的差异。牛佬是一个生活在澳洲具有开明思想却没有勇气面对的男人，所以他所代表的只是一个白人群体，而其成长的过程更具有个体化，从某种角度来说，他是属于那种相当文艺的故事，而爱情或说责任的外壳也恰恰证明了这一点。 　　而混血少年却完全不同。前面说过了，影片是以混血少年为视点的，之所以采用这样的视点在于对澳洲本身的认识，神奇的土地，种族矛盾，以及具有历史感的魔幻与现代冲突。这时候，孩子本身也极具象征意义。影片中有一个暖昧的，甚至是令人有些疑惑的亲缘关系，那就是土著爷爷，白人父亲以及混血少年这三辈的关系。按照剧情所给的这三代关系，我们只能模糊地去接受他，但事实上，这是一种隐喻，是对澳洲大陆的种族阐释。 　　所有人都知道，澳洲最早只生活着土著人，后来随着欧洲蓝色文化的侵入，白人开始统治澳洲，在各种种族的掺杂下，澳洲的人成为混血人种，这与美洲的历史比较相似，也就是澳洲家族的三代关系，是非现实直系性的。而影片中混血少年所谓的白人父亲是一个坏人角色，他妄图霸占牧场，阻止其它白人对有色人种的同情怜悯，这无疑也是白人初登澳陆的强盗脸谱式的描述。所以，在这种情况下，混血少年的象征意义便极为明显，他不但是今后澳洲的主人，更是一个历史的见证者。 　　相比起来，混血少年的象征意义远比牛佬要广阔深远了许多，但影片却从混血少年的成长转到了牛佬的成长，这样一来，一个深远史诗性的意境被完全破坏了，被一段个人经历所替代，这无疑便是所谓的高开低走了。 　　一部本来要讲述澳洲血统论地史诗性巨片在编剧及导演失控的制作下终于沦为一部小品电影，而影片中的细节制作又显得是那么拖沓与平庸，这不能不让人对逝去的一百六十五分种尤感珍贵！

文/慕容天涯 　　电影译名永远是一门令人费解的学问。牛者，会如《leon》般身价倍增。熊者，某些“冒险”“玩命”“绝地”般的形容词就将以负面效应从中作梗了。 　　于是，首先需要说明的是，这部本来叫做《澳大利亚》的影片，如果被当成“乱世情”去理解，结果只有一个：影片爱情高潮过后那纷至沓来的多重主题，会让你头晕目眩。 　　那么这部《红磨坊》导演巴兹•鲁尔曼蛰伏七年打造。妮可•基德曼和休•杰克曼联手的影片。究竟是否好看呢？ 　　单论视觉效果，影片的一部分画面可以当作摄影教材细品，并为出产优秀摄影师的大洋国度再次正明了。但问题是摄影师的成就，首先并不完全代表国家电影水平（以华语电影为例）。再者，那每一个精致的画面，不论是混血少年骑马奔驰在光影交错的林间。还是犹如同为大洋洲“出品”，魔戒故事最擅长的，仿360度旷野航拍下的大气磅礴。甚至抓怕夕阳漫天时刻的人物制造影画悖异效果。都仿佛有些蹊跷的好。它们仿佛在为这片大陆的旅游业而不是故事本身在添砖加瓦。 　　而音画不分家论的另一半音效显然不如画面直接，但却永远不会喧宾夺主而要好一些。1500头奔牛的场景令影院的地板再次经受考验。土著老人每次诡异亮相时“原生态唱腔”苍凉悠远。高潮战争场景里，轰炸机的俯冲轰鸣等等，都极具冲击力和写实感。音效可以说为影片的技术层面加分不少。 　　不过，还是继续那个话题，好看也好听。这电影为何没有成为经典的可能？ 　　《澳洲乱世情》究竟承载了多少东西呢？我们来数数看： 　　一段地位不均等的爱情故事。一起夹杂着尔虞我诈的商业阴谋。一次仿西部片的长度跋涉。一场在众多影视作品里被多次重现的战争。一个国度的血脉传承与前生今世。一块大陆的风光旖旎与自然风物。 　　很显然，如果你仅仅把它当作爱情电影而言，去希望观赏一段“乱世情”。那么电影的这些多重主题并不同意。只要回顾一下故事的开端，男女主人公相遇的片段就意味深长。 　　这一段落里，典型的出现了短时间的多线叙事。达尔文港的一切具体分布如下：形式感极强的英国贵妇人莎拉踏上澳洲土地。由休•杰克曼扮演的牛仔在酒吧与人打斗。军方在望远镜的远窥下谈论牛肉生意。主角日后的竞争对手，也即反派尼尔和卡尼暗藏杀机的对话。四条线索几乎不讲理的在同时铺开。虽然形式上虽然处理尚可，比如远景与特写搭配给出不同人物的状态，各自间的对话凸显戏剧的张力。但是整体却令人很摸不到头脑，甚至有明显的突兀之感。 　　这还仅仅是一个开始。当故事展开后，你会发现。各种不同线索的纠葛就从始至终的没有离开过故事的爱情主线，互相拥挤着乐此不疲的向前并驾齐驱。并需求着在终点交汇的机会。 　　很显然，导演巴兹•鲁尔曼想要一部史诗。 　　可是何谓史诗？在如今这个时代。又如何成就史诗？ 　　用史诗的眼光去看，《澳洲乱世情》就显然有问题。两个半小时的长度也显得不伦不类。在这个《金刚》可以三个小时，普通商业片统统两个小时搞定的年代。这两个半小时承载的内容就像是鸡肋了。我们可以做如下设想： 　　假设A，这是一部爱情为主的商业电影。从头至尾演绎，到那场赶牛上船的戏是结尾。故事高潮伴着随着市井狂欢而来，配角们在集体庆祝，正义终于战胜邪恶，男女主角爱情圆满，一切皆大欢喜的落幕。但是，之前呢？前边铺垫很久的小男孩躲藏，母亲溺水的戏份，仿佛不仅仅是反派从中作梗那么简单。当地混血人群们不愿同化，不服从强横的制度这一意义，显然大过片段的戏剧情节本身。而土著老人的意外出现，带领大家走出无人绝境这一段落，如果作为这部“商业电影”的转折点，也显得没有道理的草率。 　　所以说，这不是一部简单的商业电影，因为从一开始你变发现它的野心无比膨胀，导演巴兹•鲁尔曼不想只要一个爱情故事，更不愿皆大欢喜胜利便告终结。也即是说，影片到这里，还仅仅是一个字：“情”。“乱世”无从寻觅。“澳洲”？对不起，这故事发展到这里，放在任何土地都可以说通。 　　但是假设B呢？如果这个故事被加长处理，将之后所有的细节完全的展开，很显然巴兹•鲁尔曼没有这个能力了。擅长棚内戏的他并没有办法让临时布景下的小酒店。山寨《珍珠港》般的轰炸戏。和土著居民的拯救与黑人问题的探讨都与这段感情相融合。 　　那么，这影片只能如下处理：一个假设A提到的妮可•基德曼扮演的莎拉与休•杰克曼的牛仔间爱情故事商业片，加上假设B里的所有辅料成为的思想杂烩。结果是光影鸡尾酒里的几种经典情节各自为战。层次分明的互相推动前进而已。 　　前面的一切是乱世情爱。后面的种种才是澳大利亚。 　　送给这部电影一个称谓：准史诗。 　　说它是史诗，因为作为普通的商业电影来看，它不但合格而且超额完成了任务。但是说“准”，是因为它形似“史诗”，神却不似。 　　史诗的宏大背景下，人物的命运会被牵动的同时，故事的走向也会因此发生细微的变化。而脱离了背景，矛盾冲突下的一切都会被削弱甚至不见。在特定年代得到还原，代表性的历史事件，宏大的场面，存在感极强的人物几种要素间相互作用，并起到化学反应令人目不暇给后，脱离单纯视觉冲击达到心理震撼时，史诗才告成功。 　　也即是说，当《魔戒》系列将现代史诗拔到新高度。《纳尼亚传奇》这种儿童级别小打小闹凭着视觉效果上位混饭。《特洛伊》将史诗宣判死缓。《赤壁》把史诗变成笑谈后。 　　《澳洲乱世情》让史诗的前景陷入了全新的思考。从此以后，一道分水岭赫然挺立。迈过去这一步，很难。 　　不过，能够看到妮可在澳大利亚本土的大制作中绽放光彩，穿着中式旗袍谈情说爱。金刚狼大秀性感身材，几近专业的策马扬鞭。再配合着绮丽风光，聆听曼妙音乐也不是件坏事。前提是，你必须清楚首先准史诗≈商业片加强版。而你有足够的耐心去接受这异域的种种新奇一股脑的涌来。 　　并且不讲道理，也不给答案。